Que vous soyez à la recherche d’une tenue de vacances, d’un look pour une cérémonie ou de quoi parfaire votre dressing d’été, le moment est idéal pour profiter des offres réservées aux membres Prime et des bons plans repérés par l’équipe mode de Vogue.

Profiter de Prime Day comme un(e) Pro de la Mode

Prime Day est l’occasion rêvée de s’offrir les dernières tendances et accessoires à prix réduit. Il suffit d’être membre Prime pour accéder à ces offres exclusives sélectionnées par les rédacteurs de Vogue, déjà disponibles sur la plateforme.

Les Catégories Mode à Ne Pas Manquer

Pour celles et ceux qui savent déjà ce qu’ils veulent, voici un aperçu des principales catégories de bonnes affaires du Prime Day :

• Robes d’été

• Jeans tendance

• Sélections mode diverses

• Chaussures estivales

• Accessoires de saison

• Essentiels du dressing

• Ensembles coordonnés

• Maillots de bain

• Robes d’invité(e) de mariage

• Tenues sportives et actives

Robes d’Été : Les Stars de la Saison

À l’approche du cœur de l’été, impossible d’ignorer l’appel des robes fluides et élégantes, surtout en période de soldes. Les imprimés floraux signés Ulla Johnson ou Loveshackfancy conviennent aussi bien pour une journée ensoleillée que pour une soirée. Les rayures aériennes de Faithfull ou Madewell sont parfaites pour affronter la chaleur urbaine. Les robes satinées de By Malene Birger ou Norma Kamali, quant à elles, feront sensation lors des mariages estivaux. L’offre s’étend également à des modèles sophistiqués chez Johanna Ortiz, Madewell ou Vince, parfois à plus de 60 % de réduction.

Sélection de Robes à Prix Cassés

Quelques exemples marquants parmi les meilleures affaires du moment :

• Faithfull Lida maxi dress : 350 $ au lieu de 184 $ (soit -47 %)

• By Malene Birger Agnes dress : 280 $ à 168 $ (-40 %)

• Johanna Ortiz Los Siete Mares midi-dress : 950 $ à 570 $ (-40 %)

• Madewell smocked puff sleeve midi dress : 148 $ à 111 $ (-25 %)

• Vince seamed tank dress : 498 $ à 187 $ (-62 %)

• Faithfull Citara maxi dress : 350 $ à 184 $ (-47 %)

• Ulla Johnson Miri dress : 650 $ à 228 $ (-65 %)

• Norma Kamali Maria mini dress : 295 $

Conseils des Éditeurs Vogue pour Shopper Malin

Prime Day, c’est quatre jours d’offres intenses : l’équipe Vogue a passé en revue les meilleures affaires mode pour éviter toute perte de temps. Robes, denim, chaussures, accessoires ou lingerie, les plus belles pièces de marques telles que Caroline Constas, Ulla Johnson, Madewell ou Vince sont à portée de clic. On découvre ainsi qu’Amazon réserve parfois d’excellentes surprises pour celles et ceux qui savent chercher !

Et pour celles et ceux qui ne souhaitent pas acheter sur Amazon cette année, une sélection de ventes alternatives « Anti–Prime Day » est également proposée, avec des bons plans mode ailleurs.

Les Petites Pépites à Saisir

• Madewell Strappy Aline Mini Dress : 103 $ (au lieu de 138 $)

• The Drop Dia Mixed Fabric Midi Tank Dress : 49 $ (au lieu de 70 $)

• English Factory A-Line Short Sleeve Shirt Dress : 82 $ (au lieu de 110 $)

• Caroline Constas Augusta Drop Waist Maxi Dress : 242 $ (au lieu de 460 $)

Chaque pièce sélectionnée combine style, confort et prix doux — de quoi parfaire sa garde-robe estivale sans se ruiner.

Le secteur textile est confronté à une pression réglementaire et commerciale grandissante, exigeant des modèles de production plus durables et inclusifs. Dans ce contexte, la Global Fashion Agenda et Deloitte Global ont présenté, lors du Sommet mondial de la mode à Copenhague en juin 2025, un nouvel outil interactif : le Fashion Impact Toolkit. Destiné à l’ensemble de la chaîne de valeur textile, de la production de matières premières jusqu’au recyclage, cet outil vise à accompagner les entreprises dans leurs efforts de transformation durable.

Pensé pour être utilisé dans divers sous-secteurs — de la mode de rue au luxe, en passant par le sport, la chaussure ou la fabrication textile — le Fashion Impact Toolkit fournit un inventaire d’impacts et un cadre structurant permettant aux entreprises d’identifier leurs zones d’influence en tenant compte des matériaux utilisés, des processus industriels et des zones géographiques concernées.

Un inventaire pour éclairer la prise de décision

L’outil recense près de 3 000 impacts potentiels à travers toutes les étapes du cycle de vie textile : production des matériaux, confection, distribution, usage, fin de vie, recyclage et valorisation. Cette cartographie détaillée permet d’identifier les points de tension majeurs et les opportunités d’amélioration. En se basant sur des critères géographiques et sectoriels, l’inventaire facilite la compréhension des enjeux à chaque maillon de la chaîne.

Selon Federica Marchionni, directrice générale de la Global Fashion Agenda : « Nous espérons que cet outil deviendra une ressource précieuse pour l’industrie textile, à l’heure où les attentes réglementaires et des parties prenantes se renforcent. En agissant sur les impacts les plus critiques, les entreprises peuvent bâtir une résilience accrue, renforcer la confiance et amorcer une transformation durable à long terme. »

Un cadre méthodologique en 7 étapes

Structuré selon les standards européens ESRS (European Sustainability Reporting Standards) définis par l’EFRAG, le Fashion Impact Toolkit s’appuie sur une approche en sept étapes pour guider les entreprises vers l’action :

1. Identifier sa position dans la chaîne de valeur

2. Générer des données spécifiques aux matériaux et aux zones géographiques

3. Traduire les impacts sectoriels en réalités propres à l’entreprise

4. Quantifier les impacts potentiels

5. Définir les risques et les opportunités

6. Établir une stratégie ambitieuse

7. Coopérer pour un changement systémique

Lectra : anticiper l’avenir de la mode

Dans cette dynamique de mutation, l’entreprise technologique Lectra apporte sa contribution à travers son livre blanc Meeting the Moment. Ce document analyse les évolutions majeures qui redéfinissent le secteur : progrès technologiques, chaînes d’approvisionnement à repenser et urgence environnementale. L’objectif : accompagner les marques vers une réussite durable à long terme.

Lectra, spécialisée dans l’intelligence industrielle pour la mode, l’automobile et le mobilier, soutient plus de 21 000 entreprises dans leur transition numérique. À l’échelle mondiale, environ un tiers des vêtements seraient aujourd’hui conçus à l’aide de ses logiciels.

Le rapport, enrichi par les réflexions de Maximilien Abadie, directeur de la stratégie et des produits chez Lectra, inclut également des entretiens avec des experts de l’American Apparel & Footwear Association, de la maison Boucheron et du London College of Fashion. Il met en lumière la nécessité de repenser l’ensemble de la chaîne de valeur en intégrant les impératifs environnementaux, l’évolution des attentes des consommateurs et la transformation digitale.

Un climat d’incertitude dans la mode en 2025

Le State of Fashion Executive Survey 2025 de BoF et McKinsey révèle une ambiance marquée par l’incertitude. Seuls 20 % des dirigeants du secteur anticipent une amélioration des conditions de marché en 2025, contre 41 % qui prévoient un statu quo et 39 % qui craignent une dégradation.

Le risque principal identifié reste la baisse de confiance des consommateurs et leur réticence à dépenser, suivie par l’instabilité géopolitique et les turbulences économiques. Dans ce contexte fragile, les outils comme le Fashion Impact Toolkit et les analyses stratégiques de Lectra offrent des leviers concrets pour accompagner la résilience et la transition du secteur.

Fondée en 2022 par la créatrice de mode Diné (Navajo) Amy Denet Deal, 4KINSHIP incarne une véritable révolution dans le monde du textile durable. Après une carrière de 37 ans dans l’industrie de la mode, au sein de grandes marques telles que Puma et Reebok, Deal a décidé de mettre son expertise au service de valeurs éthiques. Son objectif : redonner vie à des vêtements usagés tout en soutenant les jeunes talents autochtones.

L’entreprise ne se contente pas de produire des vêtements écoresponsables. Elle s’engage aussi activement dans des projets communautaires. À travers des initiatives comme le Diné Skate Garden Project, 4KINSHIP participe à l’épanouissement de la jeunesse autochtone, en combinant expression artistique, sport et identité culturelle.

Récemment, Amy Denet Deal a présenté quelques-unes de ses créations en compagnie de quatre mannequins, venus défiler en studio pour illustrer la vision de la marque. Chaque pièce, unique, témoigne du potentiel de transformation qu’offre l’upcycling : un tee-shirt usé devient une robe stylée, un jean déchiré se mue en veste audacieuse.

Le style 4KINSHIP marie tradition et modernité. Les influences autochtones s’y mêlent à des coupes contemporaines, dans une approche respectueuse à la fois de l’environnement et des racines culturelles. En choisissant des matériaux déjà existants, la marque limite son empreinte carbone tout en proposant une alternative à la mode rapide.

Pour Deal, il s’agit aussi d’une démarche personnelle et identitaire. En tant que créatrice Diné, elle veut transmettre un message fort : celui de la résilience, de la créativité et de l’indépendance. Chaque vêtement signé 4KINSHIP porte en lui une histoire, un lien avec la terre et les traditions, mais aussi une ouverture vers l’avenir.

Dans un monde où l’industrie textile est l’une des plus polluantes, l’approche de 4KINSHIP montre qu’il est possible de conjuguer esthétique, durabilité et engagement social. Le succès grandissant de la marque laisse entrevoir un avenir où la mode pourrait enfin rimer avec conscience.

Je consomme énormément de contenu lié à la mode. Mon fil YouTube est inondé de vidéos sur les prédictions de tendances, que je regarde avec l’espoir de rester à l’affût de ce qui bouge dans l’univers de la mode. Les jeans skinny font-ils vraiment leur retour ? Le phénomène du « quiet luxury » est-il déjà dépassé ? Est-ce que tout cela a vraiment de l’importance ? Les cycles de la mode évoluent à une telle vitesse qu’il devient difficile de suivre le rythme.

Selon Neural Fashion, « une tendance mode représente un ensemble de préférences, de styles ou de motifs qui deviennent populaires pendant une période donnée ». Historiquement, ces tendances suivaient des cycles d’environ 20 ans. Mais aujourd’hui, avec les innovations technologiques dans les médias et la production textile, ces cycles se raccourcissent de manière spectaculaire. Il suffit d’un passage viral sur TikTok pour qu’une nouvelle tendance émerge tous les deux mois.

Même si leur durée de vie est de plus en plus courte, les tendances suivent généralement cinq étapes :

Introduction, montée, apogée, déclin et obsolescence.

Tout commence lors des grandes semaines de la mode, où les maisons de couture présentent les pièces phares des prochaines saisons. Lors des récents défilés automne/hiver, des tons verts vifs ont marqué les collections d’Hermès, Prada et Saint Laurent. À partir de ces inspirations, les journalistes, influenceurs et stylistes identifient des motifs récurrents et définissent les grandes lignes des prochaines tendances.

Une fois repérées, ces tendances sont relayées sur les réseaux, portées par des célébrités ou figures populaires qui en amplifient la visibilité. C’est ainsi qu’on entre dans la phase de montée.

Lorsque la tendance atteint une certaine popularité, elle devient aussi plus accessible. Les enseignes de prêt-à-porter s’en emparent, les collections se multiplient, et la tendance atteint son apogée.

Vient ensuite le déclin : la tendance se banalise, s’essouffle et finit par devenir obsolète. Mais attention, cela ne signifie pas pour autant sa disparition définitive. La mode fonctionne par cycles, et certaines tendances reviennent régulièrement. Les jeans taille haute en sont un parfait exemple : populaires dans les années 70, délaissés dans les années 90, ils ont fait un retour remarqué à la fin des années 2010. Il en va de même pour les silhouettes amples et les couleurs vives, typiques des années 80, revenues récemment sur le devant de la scène.

Les tendances peuvent être une belle opportunité pour tester de nouveaux styles et sortir de sa zone de confort. Elles inspirent certains, tout en créant une pression pour d’autres, qui se sentent obligés de suivre le mouvement, même quand cela ne leur correspond pas vraiment. Alors, pourquoi les suivons-nous ? Et à quel moment devrions-nous nous en détacher ?

Le renouvellement incessant des tendances soulève une question essentielle : les adoptons-nous parce qu’elles nous parlent vraiment ou simplement parce qu’elles sont omniprésentes ? Si certains y trouvent un moyen d’affiner leur style, d’autres préfèrent construire une garde-robe plus personnelle, moins sujette aux fluctuations.

Pour mieux comprendre cette dynamique, j’ai interrogé des étudiants sur Instagram à propos de leur rapport aux tendances. Les réponses ont été variées. L’un d’eux expliquait les utiliser « comme source d’inspiration pour mieux cerner [son] style personnel », tandis qu’un autre affirmait que les tendances « effacent le message et la singularité du style ».

Certains voient dans les tendances un outil marketing davantage qu’un levier d’expression individuelle. L’un des témoignages soulignait que « les marques s’en servent pour se démarquer, mais ce n’est pas forcément utile pour le consommateur ».

Une autre réponse adoptait une position nuancée : « Oui et non. Le style personnel est plus important et aussi plus durable financièrement. Participer à une tendance, c’est amusant, mais cela finit souvent par coûter cher pour peu de valeur. »

En réalité, il n’y a pas de bonne ou de mauvaise réponse. Suivre ou ignorer une tendance dépend de son budget, de ses convictions, de son identité. Personnellement, je regarde les rapports de tendances pour m’informer, mais je ne les suis que si elles correspondent vraiment à mon univers.

La mode devrait avant tout être une source de plaisir, pas une course permanente. Que l’on choisisse de s’approprier certaines tendances ou de tracer sa propre voie, l’essentiel est de rester fidèle à soi-même.

Elizabeth Ann Macgregor, ancienne directrice du Musée d’Art Contemporain (MCA), a exprimé sa profonde déception face à cette révocation. Elle a déclaré que cette situation pourrait dissuader d’autres artistes de représenter l’Australie lors de la Biennale, estimant que le pavillon australien est désormais « totalement entaché ».

La controverse trouve son origine dans des œuvres antérieures de Sabsabi, notamment « You » (2007), une installation vidéo présentant des images de l’ancien leader du Hezbollah, Hassan Nasrallah. Cette œuvre, offerte au MCA en 2009, fait partie de la collection du musée. Macgregor a souligné que cette pièce avait suscité de nombreuses discussions enrichissantes avec le public et les groupes scolaires, affirmant qu’elle n’était en aucun cas une glorification de Nasrallah.

Le ministre des Arts, Tony Burke, a confirmé avoir contacté Adrian Collette, directeur général de Creative Australia, avant la réunion du conseil d’administration qui a conduit à la révocation de Sabsabi. Burke a précisé qu’il soutiendrait la décision prise par l’organisation, tout en niant toute ingérence politique.

Cette affaire a également conduit à des démissions au sein de Creative Australia. Des figures importantes, dont le banquier d’investissement Simon Mordant et l’artiste Lindy Lee, ont quitté leurs postes en signe de protestation contre la décision de retirer Sabsabi et Dagostino. Par ailleurs, près de 3 000 artistes, conservateurs, écrivains et universitaires ont signé une pétition demandant la réintégration de l’équipe artistique, mettant en avant les implications de cette décision sur la liberté artistique et l’indépendance du secteur face aux pressions politiques.

Creative Australia a annoncé la mise en place d’une enquête indépendante sur le processus de sélection artistique, reconnaissant que la décision de retirer Sabsabi avait provoqué une « profonde déception ». L’organisation a réaffirmé son engagement en faveur de la liberté artistique, tout en soulignant sa responsabilité de représenter tous les Australiens.

Cette situation met en lumière les tensions persistantes entre l’expression artistique et les sensibilités politiques, soulevant des questions sur l’ingérence politique et la censure dans le domaine des arts en Australie.

Né dans des conditions modestes à Bourne, dans le Lincolnshire, il a transformé la mode féminine et a bâti une immense fortune en devenant le créateur favori des têtes couronnées et des célébrités. Il a ainsi ouvert la voie à des noms emblématiques tels que Christian Dior, Yves Saint Laurent et Coco Chanel. Sa ville natale s’apprête aujourd’hui à célébrer le bicentenaire de sa naissance.

« Il a été le premier créateur de renom, reconnu comme un arbitre de la mode et du style, et il a façonné l’industrie telle que nous la connaissons aujourd’hui », explique la professeure Amy De La Haye, conservatrice au London College of Fashion et co-autrice de The House of Worth, Portrait of an Archive. « Pendant un temps, il était le créateur le plus célèbre et prestigieux au monde. »

Une ascension fulgurante

Parmi ses clientes figurent la reine Victoria, l’impératrice Eugénie, épouse de Napoléon III, ainsi que des actrices et chanteuses renommées comme Lillie Langtry et Nellie Melba. Le nom de Worth est rapidement devenu synonyme de luxe, tandis que ses ateliers, comptant plus de 1 000 employés, transforma définitivement l’industrie de la mode.

Pourtant, rien dans ses débuts n’annonçait un tel destin. Né en octobre 1825, Charles Frederick Worth fut envoyé travailler dès l’âge de 11 ans après que son père, un avocat, eut perdu toute la fortune familiale. Employé dans une mercerie locale, il se fit remarquer pour son talent à embellir les chapeaux afin de faire sourire les dames de Bourne.

Après un passage à Londres dans le secteur du textile, il s’installe à Paris à 21 ans. C’est là qu’en 1858, avec l’aide d’un associé, il fonde la Maison Worth. Deux ans plus tard, il réussit un coup de maître en convainquant une dame influente de la cour de Napoléon III de porter ses créations. Impressionnée, l’impératrice Eugénie exigea de rencontrer Worth dès le lendemain. Cette collaboration propulsa sa carrière au sommet de la mode parisienne.

Une influence durable sur l’industrie

En plus de devenir le designer attitré des élites, Worth introduisit des innovations majeures. « Il fut l’un des premiers à concevoir des collections en amont pour ses clientes », précise la professeure De La Haye. Il révolutionna également la présentation des vêtements en utilisant des mannequins vivants, et fut le premier à coudre des étiquettes dans ses créations, posant ainsi les bases du label de mode moderne.

Il transforma le rôle du créateur, passant de simple artisan au rang de véritable expert dictant les tendances. Certains lui attribuent même l’invention de la tournure, un élément clé qui redéfinissait la silhouette féminine en rassemblant le tissu à l’arrière, facilitant ainsi les mouvements quotidiens.

La Maison Worth ne cessa de croître, passant de 50 à plus de 1 000 employés au fil des années. « Son véritable génie résidait dans le marketing », souligne Olivia Worth van HoegaErden, son arrière-arrière-petite-fille. « Même les duchesses s’inclinaient devant lui ; il était une sorte d’empereur. »

Un héritage intemporel

À son apogée, Worth était le créateur le plus célèbre du monde. « Des clientes américaines traversaient l’Atlantique en bateau pour se faire habiller chez lui. Il prenait leurs mesures et expédiait leurs tenues par paquebots de luxe vers New York ou d’autres villes américaines », ajoute la professeure De La Haye.

Décédé à Paris en 1895, Charles Frederick Worth laissa son entreprise à ses fils. La Maison Worth continua pendant trois générations avant de fermer en 1952, après le départ à la retraite de son arrière-petit-fils Roger. Certaines créations de la Maison Worth auraient même sombré avec le Titanic en 1912, selon De La Haye.

Beatrice, la mère de la créatrice britannique Dame Zandra Rhodes, travailla comme coupeuse de patrons à la Maison Worth dans les années 1930. Pour Dame Zandra, Worth était l’un des « pionniers » de la mode, « préparant le terrain pour tous les créateurs qui ont suivi ».

Olivia Worth van HoegaErden conclut : « Je suis si fière qu’il ait laissé un héritage pour tous les couturiers, mais aussi une descendance qui a perpétué son œuvre durant plusieurs générations. »

« La Fashion Week de Chicago célèbre la richesse de la scène mode de notre ville. Notre mission est de rassembler des talents de toutes les régions de Chicago afin de refléter la diversité de notre mode locale – et cela se verra dans notre programme », déclare John Leydon, fondateur de la Fashion Week de Chicago. Tous les événements sont ouverts au public, mais certains nécessitent une inscription ou des billets.

Les défilés de mode incluent : Une Célébration du Style de Chicago (le 9 octobre) au Chicago Cultural Center, Seasons of Style: de la Rosa Fall Collections (le 10 octobre), Asian Fashion Show Chicago (le 12 octobre) au Wilson Abbey, Threaded Stories : Un Défilé de Mode Distinctive (le 13 octobre) au Woman’s Club of Evanston, Roaring Runway, une Soirée Gilded Age (le 16 octobre) à Sarabande Chicago, CENTER STAGE : F/W 2024 Showcase (le 16 octobre) au Teatro ZinZanni, Niczka Fashion Show (le 17 octobre) sur le toit du theWit et le Gidi Fashion Show 2024 (le 18 octobre) au TechNexus.

Parmi les festivités à la mode, ne manquez pas la Fall Clothing Swap Preview Party (le 11 octobre) au Chicago Fair Trade Museum, l’After Party de la Fashion Week en hommage aux légendes de la House Music (le 11 octobre) au Fulton Market Kitchen, Surround Sound of Fashion 2024 (le 12 octobre) au Cine City Studios, BABGOOCH par B. Babylon Fall/Winter Showcase (le 12 octobre), Sunflower Serenade (le 13 octobre), Chic et Tux : Une Soirée de Style (le 13 octobre) au SuitShop, Urban Visionaries : High Octane Couture (le 14 octobre) au Chicago Car Collective, une Nuit avec le Gala Masqué Méchant (le 18 octobre) au Promontory, et Walking the Runway of Hope (le 19 octobre) à l’hôpital Mount Sinai.

Le Costume Council Golden Jubilee (le 18 octobre) propose aux amateurs de mode une première vue de l’exposition Dressed in History : A Costume Collection Retrospective. De la robe Christian Dior à une paire de Air Jordan 1, l’exposition du Chicago History Museum met en avant 70 pièces emblématiques retraçant un siècle de mode.

D’autres collections seront visibles lors de l’exposition reFashioning History (du 10 au 18 octobre) à la Dawes House à Evanston, à l’Exposition des Travaux des Étudiants en Études de la Mode du College of DuPage (le 11 octobre) au Oakbrook Shopping Center, à l’inauguration de l’exposition VIRTUES : Art et Mode (le 13 octobre) au salonlb., à l’exposition Chicago Fashion Through a Chicago Lens (le 17 octobre) à la NoMi Gallery, à Elements of Style : Vintage Fashion Meets Modern Art (le 17 octobre) à la Laughlin Gallery, et à l’exposition sur les Textiles Mayas : Art, Tradition et Technique (le 18 octobre) au National Museum of Mexican Art.

À Rosemont, l’installation Midnight Blue de l’artiste natif de Chicago, Hebru Brantley, est exposée aux Fashion Outlets of Chicago, dans le cadre du programme artistique THE COLLECTION : Where Art Meets Fashion. « Lorsque nous avons créé THE COLLECTION, notre objectif était de proposer aux visiteurs des Fashion Outlets of Chicago une expérience artistique visuelle exceptionnelle mais accessible », explique Katie Walsh, responsable marketing senior des Fashion Outlets of Chicago. « Avec l’ajout de cette œuvre impressionnante d’un artiste aussi emblématique qu’Hebru Brantley, nous démontrons notre engagement à offrir au public des œuvres de qualité muséale, dans un cadre inattendu et unique.

Plus tôt cette année, les législateurs français ont approuvé une loi visant à pénaliser les entreprises de mode rapide. L’Australie a suivi en ajoutant une taxe pour chaque nouveau vêtement mis sur le marché australien. Et il y a quelques semaines à peine, la représentante américaine Chellie Pingree, du Maine, a annoncé la création du premier Slow Fashion Caucus au Capitole.

« Souvent, les gens ne comprennent pas aujourd’hui le rôle que peut jouer la mode dans notre crise climatique », a expliqué Pingree lors de la conférence de presse à la fin du mois dernier.

C’est quelque chose que l’entrepreneure environnementale Patricia Ermecheo a constaté de première main lorsqu’elle a voyagé au Ghana en 2018. C’est là que 70 % des vêtements donnés dans le monde sont expédiés. Malheureusement, jusqu’à 40 % de ces vêtements, soit 60 milliards de vêtements, ne sont jamais vendus et sont jetés comme déchets.

« Cela devient un problème dans les décharges, en fait, 26 milliards de livres sont jetés chaque année dans les décharges », a déclaré Ermecheo.

Cet impact inacceptable est la raison pour laquelle Ermecheo a créé Osomtex, une entreprise de mode basée à Miami qui crée des fils et des tissus recyclés à partir de ce qui serait autrement des déchets de mode.

« Je travaille très dur sur ce projet depuis 13 ans et ce que nous essayons de faire, c’est d’éviter que les déchets textiles ne finissent dans les décharges », a-t-elle expliqué.

Ermecheo a fait visiter les locaux d’Osomtex à Local 10 News, qui est la première installation de recyclage textile en Floride.

« Voici une balle typique de vêtements usagés que vous verrez ici avant le traitement », a-t-elle dit en désignant une palette serrée de vêtements usagés et indésirables.

Tout, des t-shirts invendus aux draps d’hôtel jetés, peut être transformé en fils qui sont ensuite tissés en nouveaux matériaux grâce à un procédé breveté spécial.

« Nous n’utilisons pas d’eau pour le faire… donc zéro eau et zéro produits chimiques », a-t-elle déclaré.

Cette partie est significative car, selon le Programme des Nations Unies pour l’environnement, l’industrie de la mode est le deuxième consommateur d’eau derrière l’industrie agricole et produit 20 % des eaux usées industrielles mondiales. Osomtex promeut une manière plus douce et plus circulaire de fabriquer des vêtements.

« Vous fabriquez le produit, le produit vit, est utilisé, puis nous récupérons ce produit et le transformons de nouveau en matière première et réincorporons ce produit dans le cycle », a expliqué Ermecheo.

Jusqu’à présent, l’entreprise de Miami a fabriqué des chaussures pour Nike, des uniformes pour les Jeux Olympiques de 2020, des chaussettes pour Goodwill et a même envoyé ses chaussettes en orbite avec SpaceX.

« Quand j’ai rencontré cet incroyable astronaute, nous nous sommes vraiment connectés en comprenant que la Terre est notre maison et la seule maison que nous ayons », a-t-elle dit.

C’est une maison étouffée par la pollution plastique.

Selon l’Institut 5 Gyres, plus de 60 % des vêtements que nous portons aujourd’hui sont composés de plastique, des tissus dérivés de combustibles fossiles qui mettent jusqu’à 500 ans à se biodégrader.

Vous n’avez pas besoin de traverser le monde pour voir l’impact. En février dernier, les équipes de Don’t Trash Our Treasure se sont jointes aux volontaires de Clean This Beach Up et au National Park Service pour nettoyer Sands Key, une petite île de la baie de Biscayne.

Aujourd’hui, elle revient à Belfast pour dévoiler sa deuxième collection, « Origin Story ».

« Je souhaite que ceux qui portent mes vêtements se sentent à l’aise et confiants, et qu’ils aient vraiment l’impression d’être eux-mêmes », confie Richards au Republican Journal.

« Origin Story », fortement inspirée par la propre famille de Richards, mêlera des modes familiales et générationnelles à l’esthétique unique de Richards. Dans sa première collection, elle avait déjà tissé les contours abrupts et les fermoirs rigides typiques d’un coin populaire de Boston dans un horizon sombre et presque spectral, reflétant notre paysage moderne disjoint.

« Lorsque je conçois, j’aime intégrer de la fonctionnalité », ajoute Richards. « Je mise beaucoup sur les poches, les fermetures éclair ou tout détail métallique. J’opte souvent pour des silhouettes amples, ce que je porte moi-même. Mais, en fin de compte, je ne crée rien qui ne signifie rien pour moi… Chaque pièce que je fais contient un petit bout de moi. »

Engagée dans la durabilité, H.E.R. — tiré des initiales de Richards — propose des vestes et des pulls à manches longues faits sur commande, dans un monde où des géants de la fast fashion comme Gap et Urban Outfitters expédient des tonnes de denim au Soudan chaque mois. Richards choisit d’acheter uniquement le matériel nécessaire pour chaque pièce individuelle.

Ces pièces prennent du temps à concevoir et à créer. Richards a commencé à travailler sur « Origin Story » en mai 2023. Du développement de l’inspiration pour la collection à la conception de toutes les pièces, la création de patrons, les essayages et jusqu’à la révélation finale, le processus peut être long. Pour cette nouvelle collection, elle prévoit de ramener ses créations et ses mannequins à Belfast.

Le 18 mai, Richards organisera une série de séances photo et de prises vidéo à divers endroits de Belfast, y compris BAHS et le port, avec des amis en tant que modèles — sept d’entre eux venant de Boston et un vivant sur la côte du Maine.

« Origin Story », a-t-elle dit, a été fortement influencée par sa mère, son père et ses grands-parents. Ayant grandi à Waterville et Belfast, la collection reflétera cette enfance, avec les couleurs bleues et dorées de la BAHS inspirées par son père, les touches de vêtements de travail de son grand-père — chef des pompiers à Belfast, et de sa grand-mère — une EMT, ainsi que des pièces plus audacieuses et fluides inspirées par le style de sa mère. Richards espère que « Origin Story : Old Meets New » montrera que « la créativité a sa place à Belfast et qu’elle peut y rester. Vous n’avez pas besoin d’aller ailleurs. »

« J’essaie également de pousser les gens à être plus ouverts d’esprit », poursuit Richards, « et à voir qu’il y a plus que la robe traditionnelle. Donc, pour cette collection, je me concentre vraiment sur le style androgyne… j’essaie vraiment de montrer aux gens et de leur faire comprendre que la différence est acceptable. »

« Quand je vivais dans le Maine, j’étais très timide », confie la créatrice de mode. « Je parlais à peine à qui que ce soit… Je sens que lorsque je conçois, cela parle pour moi, ce que j’aime parce que je suis toujours assez réservée. Mais j’aime utiliser mes vêtements comme moyen d’expression. Et c’est en quelque sorte ce que représente ma marque. »

Hook’d Magazine a organisé son troisième défilé de mode printanier annuel samedi aux studios Dottiewood. Organisé par des étudiants, le spectacle a présenté une série de créateurs et mannequins étudiants en moins d’une heure avant de révéler la couverture de leur numéro de printemps. Avec des invités remplissant le lieu, l’équipe d’étudiants a démontré leur travail acharné et la confiance qu’ils ont développée tout au long de cette expérience.

« Lorsque vous parlez aux gens de votre désir de poursuivre une carrière artistique, vous êtes presque jugé, alors que vous êtes loué lorsque vous choisissez une carrière en STEM. Pouvoir faire les deux montre que vous pouvez réussir de toute façon », a déclaré Vazquez. « J’ai gagné beaucoup de confiance en travaillant avec Hook’d. … Ça m’a pris beaucoup pour commencer à faire ça, et je suis vraiment content de m’être lancé. »

Vazquez a défilé avec assurance, vêtu de vêtements teints en bleu-gris et blanc avec de gros blocs de turquoise enfilés en collier. En tant qu’étudiant en STEM, il a déclaré que le thème du défilé, « Structure », l’avait inspiré.

« Quand nous avons entendu pour la première fois que le thème serait ‘Structure’, j’ai pensé aux angles, à contorsionner votre corps, ce qui doit avoir un lien avec les mathématiques », a expliqué Vasquez. « Et la manière dont je vais l’implémenter est juste de bouger mon corps, de prendre tout ce que j’ai appris de Hook’d Magazine et de l’appliquer sur le podium. »

Une autre mannequin, Caitlin Knight, a également vu sa confiance s’accroître au fil de son expérience avec Hook’d et attendait avec impatience de montrer cela à sa famille et à ses amis pendant le spectacle. Elle a ébloui le podium dans un gilet court, des bijoux en métal argenté et un maquillage smokey.

« Quand j’étais petite, j’ai l’impression que (ma famille et mes amis) pensaient que je manquais de confiance », a déclaré Knight. « Alors, avoir cela et les voir me voir super confiante et tout, c’est très amusant. »

Daniela Osorio, membre du personnel de l’événement, a exprimé son enthousiasme pour le spectacle, qui lui a donné l’occasion de démontrer ses compétences en planification d’événements, après avoir eu un aperçu des mannequins dans leurs tenues avant l’événement.

« C’est cool parce que tout le monde a l’occasion de montrer ses compétences de différentes manières », a dit Osorio. « Hook’d a beaucoup de facettes. »

Le public a salué l’équipe de Hook’d Magazine par une salve d’applaudissements à la fin de la production à grande échelle du spectacle.